VELÁZQUEZ

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nace en 1599 en Sevilla de padre portugués y madre sevillana. En 1610 entra como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco. Siete años después logra pasar el examen del gremio de pintores y en 1618 se casa, con Juana Pacheco, hija de su maestro.
Durante estos años de formación en Sevilla recibe la influencia de la escuela tenebrista, quizás por influencia de Ribera.
Velázquez es el pintor más importante y genial del pleno barroco español y europeo, y el que mejor sabe plasmar una de las características de la pintura de esta época: la racionalización de los datos exteriores percibidos por los sentidos, que consigue a través del color y de la mancha, los cuales funde magistralmente con el dibujo. El ojo es para el barroco el centro en torno al cual gira toda la percepción y el órgano fundamental de conocimiento.
Los complejos juegos de miradas, de iluminación y de composición espacial no son fruto de un ilusionismo manierista con el que pretende jugar y, en consecuencia, engañarnos, sino que la realidad de nuestra propia visión siempre queda patente. Lo que vemos no es más que un cuadro, no una idea al modo platónico.

Costumbristas

Vieja friendo huevos

Pertenece a su época en Sevilla, realizó este cuadro que es una acción cotidiana en la cocina de una taberna (costumbrista) en el que se aprecia una influencia decimonónica. Pero lo verdaderamente importante de esta obra es el profundo contraste entre la urgencia del momento que se vive (cocina de una taberna) y la quietud que consigue Velázquez, parando como una foto la escena. El dinamismo se aprecia en el mozo que con urgencia lleva un porrón de vino, pan, fruta, etc. y la anciana friendo los huevos.
Los protagonistas del cuadro no son tanto los personajes como los enseres que se sitúan a lo largo de la habitación.
Los personajes presentan unos gestos tristes forzados, propios del agotamiento del esfuerzo.
La luz se hace protagonista, pues podemos apreciar un fuerte contraste entre la luz y las sombras (menor que en Caravaggio). Predomina aún la escasez de variedad cromática con un predominio del marrón rico en tonalidades.

Cuadros mitológicos

Los borrachos

 Pertenece a su primera estancia en la corte. Tiene como subtítulo " el triunfo del dios Baco". La mitología tiene un concepto distinto para Velázquez, no es la exaltación del hecho en sí, sino es la excusa para describir una acción cotidiana: una juerga de un grupo de borrachos. Es una parodia del dios Baco.
Es una crítica al mundo de Baco, cómo ridiculizar por este motivo a los seres humanos. Nos presenta al dios Baco como un joven ebrio al que sus compañeros, también vagabundos, han convencido de que es el dios Baco, le han hecho desnudarse y con hojas de vid corona a alguno de sus compañeros, entre las risas y miradas complacientes del grupo. La corte del dios, formada por pícaros y mendigos, entronca con la sensibilidad de la época burlona y naturalista, la mitología es aquí tratada bajo un prisma realista. La luz vuelve a ser un elemento esencial, un foco exterior que alumbra el otros de Baco y contrasta, aunque en menor medida, con aspectos oscuros del cuadro. La variedad cromática es pobre, con predominio del color marrón en muchas tonalidades. La composición del cuadro es un retrato grupal en el que ha conseguido unir las individualidades psicológicas de cada uno de los personajes.
El cuadro se encuentra en el museo del Prado.

La fragua de Vulcano

En 1629 Velázquez realiza su primer viaje a Italia, donde su pintura evoluciona. Entra en contacto con la rica pintura de Italia y de esta época su cuadro más representativo es la fragua de Vulcano.
Esa evolución pictórica se aprecia en numerosos aspectos. Consigue un mejor equilibrio entre las figuras y el ambiente en el que las escribe. Demuestra un mayor interés por el desnudo humano. El tenebrismo va cediendo protagonismo a la perspectiva aérea, sus cuadros van ganando en una atmósfera densa propicia a crear un ambiente especial entre las figuras y su entorno. Su colorido va evolucionando también, sin llegar a desaparecer el dominio del marrón, introduce poco a poco más variedad cromática. El tema tratado es un tema de moda en el siglo XVII, la honra, tema muy trabado en la literatura. Nos representa a un joven dios Apolo coronado con una mandorla y una túnica roja que desciende del Olimpo para visitar a su suegro Vulcano, representado por un herrero al que pide explicaciones por la infidelidad de su hija ante el interés de los ayudantes de Vulcano.
A pesar de ser un tema mitológico podría ser tratado como un tema costumbrista, el que hacer diario en una herrería. Como en los borrachos consigue darle una composición de grupo en el que desarrolla por individual a cada personaje, y también vemos como sitúa focos de luz exterior. Representa la superioridad del arte sobre la práctica, es una idea que luego repetirá en Las Hilanderas y en Las Meninas.
También podemos contemplarla en el museo del Prado.

Venus del espejo

 Esta obra es excepcional por varios motivos. En primer lugar, por ser uno de los pocos desnudos femeninos que realizaron los pintores barrocos de España (debido a la Inquisición).; en segundo lugar, por las novedades intrínsecas de la obra. Venus aparece aquí representada como cualquier mujer. Velázquez recurre de nuevo a una inversión de planos e introduce el espejo como elemento fundamental de la composición y como generador de lecturas. Venus aparece de espaldas, la belleza de su cuerpo es contundente, pero el rostro aparece oculto. La mirada recorre el cuadro, mientras el intelecto la dirige hacia el espejo para descubrir si el rostro está en correspondencia con el cuerpo. Pero la imagen reflejada apenas insinúa los rasgos, con lo que el espejo nos remite de nuevo al intelecto, a la especulación sobre la probable belleza del rostro de Venus.

Las hilanderas

En el año 1664 se le dio a este cuadro el nombre de La fábula de Aracne. Ya que él se creía se producía una disputa  entre Minerva y Aracne, lo que ha llevado a algunos autores a considerarlo un cuadro de "asunto mitológico". De ser así, la lectura de la composición es en extremo complejo y dificultosa. En el primer plano aparece una escena posiblemente en el taller de tapices de la Real Manufactura de Santa Isabel. Las cinco mujeres de este primer plano se describen en sus quehaceres laborales, mientras que el tema principal (el mito) se representa en una posición secundaria, al fondo del cuadro y como figuras de un inmenso tapiz que cuelga de la pared.
La luz es la verdadera protagonista. La luz como elemento vibratorio y atmosférico que condiciona y hace posible la visión. Es la peculiar iluminación de este cuadro la que permite una gradación de planos. La zona más iluminada es el fondo, la principal, pero debido a la violencia con la que la luz incide, la visión no es nítida, sino confusa. La luz es eso, por tanto, la responsable de relegar la escena principal del tema a un lugar secundario.
El realismo de Velázquez resulta engañoso, pues gracias, a la luz y al juego de planos, miradas y significados, parece establecer un juego de ocultamiento: reflexión sobre las funciones de la visión y las facultades correctivas del intelecto.

Retratos

Rendición de Breda

Uno de los cuadros más famosos de Velázquez en esta época, que superó a todos los pintores hasta entonces conocidos  que había tratado el tema histórico o patriótico. Nunca estuvo en Holanda, por lo que la ciudad, el paisaje y la batalla en sí la sacó tras la lectura de un libro de Calderón titulado " El sitio de Breda". Paisajes y atmósfera son inspirados tras la contemplación de cuadros de pintores flamencos situados en la colección de Felipe IV.
Capta como nadie el acontecimiento histórico, en un primer plano sitúa el tema central, la escena de la rendición; el general vencedor Spinola con los atributos de general abraza y despide al general holandés vencido, éste intentando arrodillarse entrega las llaves al vencedor que con un gesto de generosidad impide la humillación del vencido. Tras ellos sus respectivos ejércitos, verdaderos retratos individuales con personalidad psicológica propia. El caballo nos recuerda la postura que Caravaggio pintó ya en " La conversión de San Pablo". Tras ellos el grueso del ejército español desfila triunfalmente, atrás queda la ciudad humeante que inunda el cielo en brumas.
Velázquez consigue una obra libre espontánea, pero fruto de una profunda meditación para realizar su composición y todavía un mayor cuidado en la realización técnica. Los objetos a pintar son tratados de diferente manera según el objeto a pintar, pinceladas pequeñas en las plumas y en las doradas, tonos mates para las pieles, pinceladas pastosas y ricas para las telas, sólo esbozo de pincelada para los fondos. Con este cuadro, hecho en 1625 y actualmente en el Prado, quería hacer una alegoría sobre los Países Bajos. El vencedor no humilla al derrotado, y éste asume su destino.

Las meninas

Se trata de la síntesis total de los conocimientos pictóricos de Velázquez, pintor que evoluciona, alcanzando su cenit en las obras finales.
La propia complejidad de la composición dificulta su descripción. Nos encontramos en una estancia del palacio donde Velázquez está  pintando un cuadro. En primer término aparece un grupo formado por la infanta doña Margarita, las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. Detrás de este grupo aparecen doña Marcela de Ulloa, dama del palacio, y un guardadamas vestido de negro. En la puerta del fondo, el aposentador José Nieto, y en un espejo, el reflejo de los reyes.
La calidad y sutileza pictórica de esta obra son evidentes. El acusado realismo de las figuras, la profundidad espacial y el movimiento detenido. Todo ello conseguido a través de la mediación cromática de una atmósfera que se hace tangible, espesa y contundente. La atmósfera es aquí, ante todo, juegos de luz y penumbras sutilmente matizadas mediante una gama de colores austera, una pincelada suelta, vigorosa y espontánea. Los focos por los que la luz penetra en la estancia son dos: por la derecha del cuadro se iluminan las figuras del primer plano, mientras que en el fondo, la puerta que abre José Nieto permite la entrada de otro foco. Desde un punto de vista técnico, el cuadro es la culminación del quehacer velazqueño.
Velázquez traza un complejo y sutil entramado de planos y de miradas, un juego, casi infinito, en destacar lo secundario y velar lo principal y reflejarlo como anecdótico.
Uno de los aspectos que destacan es el autorretrato que realiza de sí mismo Velázquez, algo que más adelante copiará Goya. Por primera vez un pintor, él mismo, se retrata junto a un rey vivo y el estudio se sustituye por un más digno salón del palacio. El pintor se retrata con el pincel en la mano, pero en actitud pensativa, digno por la virtud de su arte, y no a su pesar, y afirma personalmente su propia nobleza. Para realizar este autorretrato el rey debió de aprobar su presencia y ordenó pintar la Cruz de Santiago.
Velázquez pinta deliberadamente la obra maestra del arte occidental en la que mediante un sutil control de las luces y las sombras construye una de las más brillantes composiciones perspectivas, inmersa en el ilusionismo barroco que conecta arte y realidad.
El tema, un retrato informal de grupo, parece poco importante, salvo por la presencia indirecta de los reyes, elemento crucial para la comprensión del sentido del cuadro. Elige el momento en el que los presentes, la infanta y sus acompañantes observan como Velázquez está pintando
La obra se encuentra en el Museo del Prado.

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